突然ですが、セッションについて、アイルランド音楽が好きないち地方人として思うところを書いてみます。現地でフィールドワークをした訳でもなければ、たくさんの文献を漁って研究したわけでもありません。肝心のセッションにも、頻繁に足を運ぶわけではありません。なんとなく年季だけは長くなってきたので、その中で思うことなどをまとめてみたい思います。(つい説明口調になってしまいますが、最初の弁明を念頭においてください)

セッションは観客向けのパフォーマンスではありません。プレイヤーによる、プレイヤーのための音楽の場です。Companion to Irish Traditional Musicの”session”の項によると、古くはひとつの楽器で演奏されていたダンスチューンは、20世紀初頭に(ピアノやバンジョーなどの)伴奏を伴うようになりました。1920年代からケーリーバンドの興隆により、複数の旋律楽器がユニゾンで演奏するスタイルが確立し、次いでパブでのセッションが一般的に行われるようになっていきます。「セッション」という呼び名はジャズのジャムセッションから借用したものと言われています。

確かにプレイヤーが音を通じて触れ合うという点では、ジャムセッションと共通する部分があります。しかし、個々のプレイヤーのひらめきや創造性よりも、キャラクターやストーリーが脚光を浴びるのがアイリッシュのセッションです。まずはその実現のための条件について少し考えてみたいと思います。

・個と個のコミュニケーション

なんとか「調和のとれたセッション」を目指そうというのは、セッションに参加するプレイヤーが皆心に思っていることだと思います。では、果たしてハプニングのない、息のぴったりあったセッションが良いセッションなのでしょうか?むしろ、プレイヤーが先手を打って、不確定要素を取り除こうとするほど、肝心な部分がおろそかになります。

肝心な部分とは、メンバーの「おおらかさ」です。この「おおらかさ」とは、何にでも目を瞑ることではなく、ひとりひとりにきちんと向き合うことです。ひとつの指標となるのが、コミュニケーションの双方向性です。セッションの場では、どんなハイレベルなプレイヤーであっても、一人前の仲間として受け入れてくれ、演奏に耳を傾けてくれるというのが、初心者の頃は本当に驚きでした。

プレイヤーがおおらかであれば、それだけ多くの人から学ぶことができます。このことが、私のような日本人の、さらに独学のプレイヤーにとって特に重要なのは、進んで取り入れる情報の幅や、好きな曲の傾向などが、どうしても狭い範囲にまとまってしまいがちだからです。たくさんのプレイヤーと接触することで、自分の中の「アイルランド音楽」は確実にいろどり豊かになっていきます。

個人的に、日本では(特に地方では)、セッションのスタイル・気風はもっと明示的であるべきだと思いますし、どんな音楽を一緒にやりたいのかを、積極的に話題にしていかなくてはいけないと思います。本場や大都市であれば、別に難しいことを言わずとも調和のとれたセッションができるのかもしれません。しかし、その前提には、セッション自体が高い頻度で行われていること、肌に合わなければ他のセッションを探すという選択肢があることなどが隠れています。

大抵、「おおらかさ」が損なわれる場面には、自分が了解していることを相手が尊重しないことなどへの不満があると思います。しかし、ほとんどの場が、「常識」が成立するほど成熟していない以上は、伝えるべきことは伝える意識を持つべきでしょう。

・「余白」の尊重

さて、先ほど述べた「おおらかさ」が生み出す、心地の良い雰囲気のことを、アイルランドの表現で”craic(クラック)”と呼びます。一見昔からあるアイルランド語のような顔をしていますが、元をたどれば英語の”crack”からアイルランド語に借用された言葉で、英語に逆輸入されて使われているというのが事実です。現在ではあまり一般的ではない用法ですが、英語の”crack”には「雑談」という意味があります。大まかに言えば、そこから来た”craic”は、お喋りの絶えない明るい雰囲気というような感じでしょう。キアラン・カーソンのLast Night’s Funには、冒頭近くで朝食の話題で盛り上がるミュージシャン達のことが書かれています。雑談はいわば本題から逸れた「余白」ですが、これもセッションの一部であると言えるでしょう。

セッションは旅に似ています。旅の経験で強く印象に残るのは何かというと、行きあった人との些細な会話であったり、ちょっとしたトラブルであったりします。壮大な風景や珍しい食べ物が旅の第一目的だとしても、旅人が一直線にそこに向かっていくほど、経験の質はかえって味気ないものになっていきます。音楽との付き合いをより良いものにするためには、こうした「余白」を楽しむ余地を残しておくことが大切だと思います。

ここまでは、どちらかというと抽象的な理想の話をしてきました。続いて、具体的に心がけたいと思っていること、初心者に勧めたいと思っていることを挙げていきたいと思います。

・「セッションの音」を知っておく

良いプレイヤーになるにはたくさんセッションに顔を出すことが大切とよく語られます。一方であまり語られないのは、実際のセッションや、それに近い形で録音された音楽を聴くことの大切さです。それほど頻繁にセッションに通うことができない私のような地方人にとって、このオプションはとても魅力的です。Music At Matt MolloysというCDは何人もの知人のプレイヤーが勧めています。スライゴーにあるColeman Heritage Centreはいくつかこのような音源を扱っており、スライゴーやコノート北部のスタイル・レパートリーを指向するのであれば、これらも大変参考になります。他の地域にも、似たようなものがあるのではないかと思います。

セッションでバンドの音楽はできませんし、かといってバンド未満でもバンドの練習でもありません。セッションにはセッションの音があります。場合によっては話し声などの「パブノイズ」も含めて。セッションの音が具体的にイメージできれば、より自信を持って演奏を楽しむことができるようになるはずです。

・経験を反芻する

セッションの大きな楽しみは、セッションが終わった後、その経験を反芻することにあります。この点においては、機会に恵まれない地方人でも、条件は変わりません。録音はマナー的にはグレーゾーンですが、個人的には良いツールになりうると思っています。必ずしも録音に頼ることはないけれども、より多くを学ぼうと心がけることが出会った人たちへのリスペクトになるのではないかと考えていますが、いかがでしょうか。

さて、冒頭でアイルランド音楽はもともとソロで演奏されたという記述を紹介しました。このこととも関係するのですが、演奏のキャラクターを作り上げていく過程で、自分の音楽を自分で楽しむという習慣を持つことはとても大事だと最近感じるようになってきました。セッションの音は、この「自分のための音楽」の延長線上にあるのではないかと考えています。ひとりひとりに向き合うには、まず自分が何に魅力を感じ、何を表現したいのかを知るべきでしょう。そのための時間をしっかり作ることが、コミュニケーションの第一歩になるのだと思います。

いつかは地元でセッションをやりたいなと思いつつも、本当に楽しいものにするためにはどうすればいいのか考えると止まらなくなります。

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